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Australie — Compositeurs du paysage choral contemporain

Les compositeurs figurant dans cet article ne sont qu’une poignée des compositeurs qui façonnent le paysage choral australien. Je laisse au lecteur le soin de s’immerger dans l’univers de chaque compositeur. Des sites Web individuels sont cités, ainsi que trois sites pour plus d'informations: Australian Music Centre, Australian Choral Conductors Education and Training website, Morton Music, et SingScore.

 

Dr. Lisa Cheney

Go Back and Start Again (2019) a été commandé par le Tasmanian Symphony Orchestra Chorus, qui utilise un mélange de chant et de texte dans chaque pupitre. L’effet recherché est que le public ait l’impression que le chœur est un seul cerveau connecté, offrant un aperçu de ses pensées intérieures cachées. Cette pièce a commencé comme une enquête anonyme de questions adressées au chœur de l’Orchestre Symphonique de Tasmanie. Lisa Cheney a demandé aux chanteurs de partager leurs réflexions sur ce qu'ils feraient avec un temps illimité, et ce qu'ils craignaient le plus dans la perte de temps. Chaque réponse possédait un sentiment sous-jacent d’apprentissage des expériences passées, et la peur que le temps s’écoule avant qu’ils puissent à nouveau savourer les moments les plus significatifs de leur vie.

 

Dans Drought (2012), Lisa Cheney met en musique le poème du même nom de la regrettée poète de Brisbane, Judith Wright, pour soprano solo et chœur SSAATTB. La musique, le texte et les voix travaillent ensemble pour sculpter des paysages sonores magnifiques et envoûtants et des images d'un paysage australien en constante évolution, accablé par un soleil impitoyable.

 

Dr. Gerardo Dirié

Pomegranate Friends (2011) est une œuvre en trois mouvements pour chœur SATB, avec improvisation au saxophone et ondes sinusoïdales à 4 canaux. Le poème et les conceptions sonores sont inspirés d'aphorismes chinois, traduits laconiquement par le missionnaire jésuite de la Renaissance Matteo Ricci dans son Essai sur l'amitié. Des expressions concises sur les valeurs de l'amitié sont présentées à travers une superposition d'ondes sinusoïdales en tempérament pythagoricien, qui se transforment en douceur dans un tempérament égal de 12 tons. L'improvisation au saxophone met en valeur les qualités d'accordage des deux systèmes, afin de préparer l'entrée de la partie chorale. Two Hands or Wings explore les nuances émotionnelles et physiques de l'adaptation à des contextes sonores changeants - une allusion à l'expérience des accords et des déséquilibres dans l'âme.

 

War Within (2018)

Les conflits collectifs, tout autant que les traumatismes individuels, privés et quotidiens, peuvent nous envoyer dans les endroits les plus sombres. Les récits poignants racontés par le major général (à la retraite) John Cantwell dans son ouvrage « Exit Wounds » offrent un récit puissant de la façon dont la participation à des conflits extrêmement dangereux et cruels peut affecter le cœur d’une personne. Lorsqu'il a été invité à créer une composition musicale pour la Journée ANZAC 2018 à Brisbane, Gerardo Dirié a cherché à contribuer avec une perspective mixte : l'histoire de Cantwell, des passages de l'Enfer de Dante, des paroles du poète sunnite persan musulman du XIIIème siècle Jalāl ad-Dīn Rūmī, et des expériences et points de vue des officiers actuels de l’armée. Gerardo Dirié a également choisi de concevoir une arche subjective commençant la musique par le son inquiétant d’un avion Hercules C-130 et les vers culminants rassurants de L’Enfer de Dante. L'association de ces sons avec le chant du chœur et du soliste est présentée à travers la composition de 13 minutes dans une trajectoire inspirée hors de l'obscurité à travers les quatre mouvements. La composition est composée pour deux récitants, un baryton soliste, un cor d'harmonie, un saxophone alto, un orgue, un piano, un chœur SATB, et au moins deux haut-parleurs pour les effets sonores.



Paul Jarman

Rise in Song (2022) pour SSATB était une commande du Watu Choral Festival à Adélaïde. Avec la pandémie de COVID à l’esprit, Paul Jarman s’est senti obligé d’écrire une œuvre puissante, édifiante et de style protestataire du point de vue du chanteur, revenant en tant que communauté mondiale unie après des années d’annulation. Watu (wah-doo) est le nom Kaurna pour un cri commun à la fin d'un rassemblement. Pour reconnaître la philosophie du festival Watu Choral, Paul Jarman voulait que la pièce crie au monde que nous, chanteurs, sommes de retour, et que rien ne pourra jamais nous enlever le désir de chanter ensemble. La musique est brute et puissante, et à mesure que chaque chanteur commence sa partie, la pièce est une célébration de ce que le chant fait pour l'esprit, le corps et l'âme. Paul Jarman a également écrit cette pièce pour reconnaître les nombreux styles de musique à travers le monde. Cependant, le final de l'œuvre est un chant de style Gospel fort et extraverti, semblable à celui des chants communautaires des offices dans les églises américaines.

 

And Will He Not Come Again (2016)

Invité par Oxford University Press à faire partie d'un groupe sélectionné pour honorer le 400ème anniversaire de la mort de Shakespeare, Paul Jarman a reçu le texte de la chanson affligée d'Ophélie de l'acte 4, scène 6 de Hamlet. Écrite pour des voix aiguës, la mélodie d'ouverture tient l'auditeur en haleine avec son cadre tonal et rythmique ambigu. Pourtant, une fois que le chœur et le piano se joignent, le résultat est une mélodie très forte qui semble si évidente dans ce décor. Dans la deuxième partie, Paul Jarman introduit une subtile modulation pour évoquer le changement d'heure, un reflet du passé et un souvenir de la fille de son père. La fin se déroule dans la chapelle avec des accords finaux ressemblant aux deux premiers accords du In Paradisum de Gabriel Fauré. La pièce se termine par une mise en musique, longue et profondément émouvante, de « Dieu, aie pitié de son âme ». Polonius et Ophélie sont des victimes innocentes, dans l'histoire d'Hamlet, et j'espère que ma pièce fera ressortir la tragédie de ces personnages.

 

Stephen Leek

Ngana (1994), disponible dans diverses configurations vocales, prend le mot australien indigène pour requin « Ngana » et l’amalgame étroitement avec les mots « Lina » (eau), « Mangana » (poisson) et « Yah », qui est un mot de bienvenue. La pièce capture de manière saisissante les énergies motrices, les rythmes et les couleurs vives du paysage marin insulaire que l’on trouve autour de la pointe nord-est de l’Australie.

 

A Gibber Plains Noel (1991) et Wurundjeri Song (2004) sont des pièces qui témoignent des nombreuses pièces que Stephen a écrites en travaillant avec des jeunes d'Australie. A Gibber Plains Noel a été écrite à Alice Springs, au centre de l'Australie, et capture les sons des oiseaux et des animaux ainsi que la chaleur de la brousse lors d'un Noël d'été australien. Wurundjeri Song a été écrite avec de jeunes chanteurs vivant dans le pays de Wurundjeri (la région de Melbourne). Ici, ils ont découvert ensemble le patrimoine traditionnel de la région et la beauté des parcs locaux qui regorgeaient d'oiseaux et d'animaux indigènes, les élèves écrivant les textes et Stephen assurant le décor musical.

 

Ruth McCall

Waltzing Matilda (versions vocales multiples) définit le texte de cette chanson folklorique bien connue, longtemps considérée comme l'hymne national non officiel de l'Australie, et est retravaillé dans cette nouvelle version. Il est possible d'ajouter des « clapsticks » et un bourdon, en utilisant un didgeridoo ou en musant, par exemple. La pièce présente quelques défis vocaux sous la forme de techniques vocales différentes dans chaque pupitre et n'est certes pas facile, mais il y a un réel sentiment d'accomplissement lorsqu'un chœur maîtrise les différentes technique. Il y a un bourdonnement chanté de mots autochtones décrivant les plantes autour du point d'eau, ainsi qu'un mélange de mélodies : ma propre mélodie, la mélodie bien connue et la mélodie du Queensland. Ces mélodies se combinent toutes pour former un morceau énergique avec une fin triomphale.



Bound for South Australia (SSATBarB) est un arrangement de la chanson folklorique et constitue également un défi pour les chanteurs car il se déplace à un rythme raisonnable ! Cela se termine par un riff de jazz impliquant tous les chanteurs. Il s'agit d'une pièce spectaculaire dont l'interprétation a remporté l'or aux Jeux choraux mondiaux l'année dernière, mais attention à ne pas accélérer!

 

Andrew Schultz

As Wave Drives Wave, l'opus 115 (2021, commandé par le Brisbane Chamber Choir) est un ensemble non accompagné de lignes mémorables des Métamorphoses d'Ovide, qu'il a à son tour tirées du Flux éternel de Pythagore. Le mouvement des vagues et leur renouvellement incessant sont utilisés comme métaphore de la certitude du changement perpétuel dans l'univers. L’imagerie du texte d’Ovide est très belle et peut-être même un peu mélancolique – ou peut-être granitique et philosophique et par conséquent, la tristesse n’a pas d’importance. Cette pièce de six minutes (SATB divisi) est basée sur une harmonie lente avec des séquences d'accords qui se chevauchent et s'entrelacent – comme si les suspensions non résolues étaient des vagues poussant des vagues.



Magnificat, Opus 79 (2009) commence avec hésitation avec la mélodie semblable à un plain-chant se déployant à partir de l'intervalle nu d'une quarte, comme les pétales d'une fleur. Mais une fois épanouies, les parties retombent et la musique revient à la pureté des lignes simples. Malgré la délicatesse de l'écriture et la douceur du chant, il y a un sentiment de détermination tranquille qui fait écho à l'épigramme que Schultz a inscrite en tête de la partition : No coward soul is mine (Emily Brontë, Last Lines). La Marie d'Andrew Schultz est peut-être petite, mais elle a de la force et du courage pour affronter un avenir au-delà de son imagination. Schultz adopte une approche différente dans les derniers instants de cette œuvre. Le temps semble ralentir, voire s'arrêter, alors que des lignes vocales uniques se dessinent au-dessus du calme ; le socle sur lequel la musique vient finalement se poser est équilibré non par la tonique mais par la quinte de l'accord, nous laissant suspendus tandis que les voix s'effacent vers le silence.



 

Paul Stanhope

Dans le Nouveau Requiem de Paul Stanhope (2024), qui a progressivement évolué sur 20 ans, le compositeur a passé beaucoup de temps à réfléchir à la réinvention du médium, à la personnalisation du récit et à son déplacement dans une sensibilité qui, selon lui, pourrait être adoptée par l’époque actuelle. Requiem est écrit pour les forces intimes d'un chœur de chambre avec un petit ensemble instrumental de quatre instruments à vent, harpe et percussions avec solistes soprano et ténor. La pièce en neuf mouvements utilise une sélection triée sur le volet de la messe de Requiemoriginale. La mise en musique de textes poétiques anglais – certains sacrés, d'autres profanes – est remplacée par les sections du texte de Requiem omis, pour personnaliser davantage le récit. Les textes en anglais sont tous écrits par des poétesses : Neela Nath Das (indienne), Mary Elizabeth Frye et Emily Dickinson (toutes deux américaines) et la poétesse autochtone australienne Oodgeroo Noonuccal. Ces textes véhiculent des messages qui éclairent les textes de la messe, dont certains pourraient représenter la tradition paternelle et autoritaire de l'Église catholique. Requiem a été enregistré par le Sydney Chamber Choir et sortira en 2024.

 

Lisa Young

Sacred Stepping Stones (2020, commandé par la Gondwana National Choral School) parle de la façon dont la terre nous façonne et de la façon dont la planète est sacrée et précieuse. C'est une invocation qui célèbre la beauté de la terre et un appel à prendre soin d'elle. L’interprétation de la pièce implique une "banque de sons" vocale distincte, combinant le texte anglais avec du Konnakkol[1]  et du scat pour ajouter une dynamique rythmique à ce message. Le texte anglais, combiné à la banque de sons vocaux de Lisa Young et aux syllabes de scat, crée des textures vocales polyrythmiques qui parlent de cette époque et de ce lieu.


[1]NdlT : technique de percussion vocale issue de la tradition carnatique de l’Inde du Sud



 

Le thème original composé par Lisa Young et Ben Robertson de Tha Thin Tha (2014, commandé par les Gondwana Choirs) utilise également la « banque de sons vocaux », la langue konnakkol du sud de l'Inde et les syllabes scat. Le tâla[1] de la musique est tracé à l’aide de gestes cycliques de la main. Le marquage du tâla de cette manière fait partie intégrante de l'interprétation de la musique carnatique.


[1]NdlT : cycle rythmique des musiques classiques indiennes


Version de Coco's Lunch:



Traduit de l'anglais par Barbara Pissane, relu par Jean Payon

 

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