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Requiem – Baile con música coral

Isabelle Métrope, jefa de redacción de la Revista Coral Internacional


Choreography: Kenneth MacMillan Dancers: Friedemann Vogel, Clemens Fröhlich, Anna Osadcenko, Martí Fernández Paixà, Christopher Kunzelmann, Jason Reilly © Roman Novitzky / Stuttgarter Ballett

Son las 19:40 de una fría noche de noviembre en Stuttgart, Alemania. Las entradas para la ópera están agotadas. 1.400 personas disfrutan del ballet que dio forma a la escuela de ballet local: las iniciales R. B. M. E. de su fundador John Cranko, fallecido hace 50 años. La música también está estrechamente vinculada a Stuttgart: precisamente en la actual capital del estado de Baden-Württemberg, el 22 de noviembre de 1881 se interpretó por primera vez en Alemania el segundo concierto para piano de Brahms (después de su estreno en Budapest). Mientras en la sala todos los ojos están dirigidos al escenario, en la entrada de los artistas se van alineando los cantantes del figure humaine kammerchor, el más joven de los coros de cámara profesionales de Stuttgart. Un momento, ¿un coro? ¿Para un ballet?

 

En julio y octubre de 2023 se representó en Stuttgart una producción llamada Remember me. Esto fue parte de una serie de eventos en honor a John Cranko (1927-1973), bailarín, coreógrafo de fama mundial y fundador de la destacada escuela de ballet de Stuttgart que hoy lleva su nombre. Junto al Ballet Iniciales R. B. M. E. de Cranko, se bailó Requiem, un ballet de Kenneth MacMillan, creado por él en memoria de su amigo John Cranko. Entre las características inusuales del Requiem se encuentra una musical: mientras que la música del ballet suele ser puramente orquestal, este ballet se baila al ritmo del Requiem op 48 de Gabriel Fauré, un ballet con música coral. ¿Entonces? ¿La voz humana como instrumento inusual presenta un nuevo desafío? ¿Qué otras dimensiones lleva consigo? Hemos preguntado a Tamas Detrich, director artístico general del Ballet de Stuttgart, así como a Mikhail Agrest, director musical del Ballet de Stuttgart, a Martì Paixà, primer solista del Ballet de Stuttgart y, por último, pero no menos importante, a Franziska Klein y Simon Meder, miembros de figure humaine kammerchor, por sus impresiones tras esta experiencia.

 

Historia

Stravinsky afirmó que toda la música escrita hasta mediados del siglo XIX era música de baile.

La música y la danza siempre han estado vinculadas, pero en los últimos siglos el papel de la música en el ballet ha estado en continuo desarrollo. Le pedimos a Mikhail Agrest, director musical del Ballet de Stuttgart, una pequeña reseña.

 

“En los primeros días del ballet, la música era sólo una modesta sirvienta, empleada de una manera totalmente utilitaria. Marius Petipa dijo: "Sólo necesito 16 compases de este ritmo y luego 8 compases de aquel". Era sólo un telón de fondo, para mostrar el virtuosismo de un bailarín en particular. Lo mismo ocurría en la ópera de aquellos días: Mozart compuso varias arias diferentes para Don Ottavio en Viena, con el fin de resaltar los puntos fuertes de un determinado tenor. Por lo tanto, la integridad musical de la velada en su conjunto no estuvo en el primer plano de interés. Gracias a las espléndidas partituras de Tchaikovsky, en el siglo XIX la música del ballet se volvió más "sinfónica" y un compañero artístico de pleno derecho. A principios del siglo XX, el ballet lideraba la escena musical cuando, gracias al gran visionario Diaghilev, se encargaron varias de las obras más importantes: Firebird de Stravinsky, Petrushka, Sacre du Printemps, grandes obras de Prokofiev, Daphne et Chloé de Ravel. Grandes coreógrafos como Balanchine, Cranko, Neumeier y no menos importante MacMillan utilizaron obras maestras musicales como base de sus maravillosos ballets”.

 

Cuando Diaghilev encargaba una obra, el resultado era música de ballet: la danza se tenía en cuenta en el proceso de composición. Sin embargo, cuando la pieza musical aparece primero, los desafíos son de otro tipo. Para Denis Rouger, director artístico de figure humaine kammerchor, “todas las obras maestras musicales tienen el poder de evocar emociones y es casi seguro que cautivarán al público, lo que, por supuesto, interesa al coreógrafo. Para muchas de estas piezas, simplemente escucharlas exige un alto grado de concentración. Esto, sin embargo, se perderá en parte si, debido a la coreografía, el espectador tiene que concentrarse demasiado en ver. Sólo los genios de los coreógrafos son capaces de tratar con consideración la concentración y la música y, con sus ballets, ampliar el significado artístico de la obra. Sin embargo, este “ejercicio” también puede resultar peligroso; algunas piezas sobreviven a este estado debilitado, mientras que otras nunca se recuperan de él…”

 

La música sacra rara vez se relaciona con el ballet. En 1976, tres años después de la muerte de su amigo John Cranko, se estrena el ballet Requiem de Kenneth MacMillan con música de Fauré. MacMillan dejó su huella en la historia del ballet con ballets que van desde los dramáticos hasta los que cuentan historias trágicas, a menudo abordando temas controversiales y conflictos internos. Requiem es una de las obras favoritas del director del Ballet de Stuttgart, Tamas Detrich: “Por un lado es abstracto, pero aun así cuenta una historia de pérdida y esperanza. Cuando se creó Requiem en el Ballet de Stuttgart en 1976, yo era un joven estudiante. Por tanto, la obra también tiene significado personal para mí. Rinde homenaje a nuestro padre fundador, John Cranko, y el canto juega un papel muy importante en esta pieza”.


Choreography: Kenneth MacMillan Dancers: Anna Osadcenko, Daiana Ruiz, Clemens Fröhlich, Mackenzie Brown, Christopher Kunzelmann, Alicia Torronteras © Roman Novitzky / Stuttgarter Ballett

El vínculo entre cantante y bailarín, respiración y flexibilidad

Los bailarines están lejos de estar acostumbrados al ballet con canto. Para Tamas Detrich “El canto añade un componente totalmente nuevo, que en el trabajo diario rara vez aparece de esta forma. Para los bailarines representa una forma diferente de trabajar y también un gran desafío: un coro o un solista garantizan que cada actuación tenga su propio carácter individual”. Incluso bailarines experimentados como Martì Fernández Paixà, primer solista del Ballet de Stuttgart, pueden contar con una mano las actuaciones en las que se le permitía bailar con música vocal, normalmente sólo de solistas. Paixà informa: “En mi primera temporada como Eleve [a los estudiantes de la escuela de ballet se les llama Eleves durante su formación práctica], el Lied von der Erde de Kenneth MacMillan estaba en el programa (¡que se había estrenado en Stuttgart bajo la dirección de John Cranko después de que el Royal Ballet de Londres rechazara un ballet con esta música!). Allí, dos cantantes femeninas suben al escenario con los bailarines. Además, en 2017 bailé en Tod in Venedig de Demis Volpi, una producción conjunta con la Ópera Estatal de Stuttgart”. En ambos casos los cantantes subieron al escenario y se unieron a algunos de los bailes. Es totalmente diferente cuando el coro está con la orquesta en el foso y cuando la tarea de dar forma a las cosas juntos, de respirar juntos, se puede realizar únicamente a través de la escucha, el sentimiento y el carisma y el trabajo del director.

Si coreografias una partitura de Mahler o Brahms, realmente tienes que seguir la música por su fraseo claro, su estructura y su dinámica, para evitar la disonancia entre las imágenes visuales y acústicas. Mikhail Agrest

Martí Fernández Paixà disfrutó de la dimensión adicional con todos sus desafíos: “La voz humana trae consigo un sentimiento diferente y un tipo de inspiración totalmente diferente al escenario. También tienes que ser un poco más flexible, ya que las cosas pueden cambiar cada día, ya sea la velocidad o simplemente la "sensación". Con los solistas se podía oír claramente que durante la producción había diferentes elencos; eso fue emocionante, porque, por supuesto, cada uno respira de una manera ligeramente diferente, poniendo diferentes acentos”.

 

Cantantes, bailarines, instrumentistas: todos tienen que respirar, pero cada uno lo hace a su manera. Mientras que los bailarines se sentían ligados a la respiración del coro, el director Mikhail Agrest, que tuvo que unir a ambos conjuntos y a la orquesta en un flujo común, experimentó las cosas de una manera completamente diferente: “Los bailarines y los cantantes respiran de maneras muy diferentes. Es muy importante encontrar una manera de permitir que la música fluya y respire de una manera que sea orgánica para todos los involucrados, de modo que el resultado sea percibido como natural por el público”. Sin embargo, los participantes y el público pronto se dieron cuenta de que los bailarines y cantantes se inspiraban mutuamente. Como dice Agrest: “Lo viste en los movimientos, lo escuchaste en las voces y lo viste en los ojos”.

 

Cantando en el foso orquestal

Inicialmente, el coro aprendió la obra como de costumbre en la sala de ensayo. Pero tan pronto como comenzaron los ensayos con la compañía, se necesitó mucha flexibilidad: de repente se añadió al sonido la estética de la danza, el movimiento y la fuerza. “Esto exigió por parte del coro un segundo paso de preparación especial”, afirma Denis Rouger, director artístico de figure humaine kammerchor. Franziska Klein, soprano del coro, cuenta cómo se sintió: “Una y otra vez tuvimos que adaptar nuestra velocidad a los bailarines. A veces hasta tal punto que el carácter de las piezas individuales cambiaba por completo. Pero fue fascinante porque la música –al menos superficialmente– tenía que permitir que la danza dominara, pero fue esta misma simbiosis la que creó algo bastante nuevo, algo que en conjunto funcionó maravillosamente bien”.

 

Es una rutina diaria para los músicos de orquesta, con excepción de los cantantes: si bien algunos de los solistas del Requiem de Fauré ya habían subido al escenario de la Ópera Estatal de Stuttgart en producciones anteriores, ellos, al igual que los miembros del figure humaine kammerchor, nunca antes habían estado en el foso. “Por supuesto, al principio fue simplemente emocionante cantar en el foso con su acústica especial, una mezcla de seca pero al mismo tiempo impactante”, dice Franziska Klein. Además, el foso está construido de manera que, por un lado, los ojos del público estén dirigidos al escenario y el director pueda ver tanto a los instrumentistas (y, si es relevante, al coro) como la acción en el escenario. Sin embargo, rara vez sucede que la gente en el foso vea el escenario. Para los instrumentistas es totalmente normal, pues siempre tocan y miran en dirección al auditorio. Para el coro fue muy inusual, sobre todo porque, debido a la profundidad limitada del foso, estaban parados al lado de la orquesta y no detrás. Así, hubo dos impresiones desconocidas: cantar de lado en relación con la orientación del auditorio y no ver la acción principal. “Por supuesto que fue una lástima no ver de qué se trataba”, fue la impresión de Simon Meder, miembro del coro. “Sin embargo, existía la posibilidad de mirar desde el borde del escenario durante la primera parte, cuando el coro aún no tenía que cantar, o asistir a una actuación como miembro del público en una noche en la que no estaba de servicio en el coro."

 

Ninguno de los cantantes del figure humaine kammerchor había cantado antes en un ballet y valoran mucho esta experiencia. Respirar y dar forma a una frase musical de repente se vuelve ópticamente perceptible, y el vínculo con el cuerpo humano (tanto para los bailarines como para los cantantes es su instrumento real) se vuelve visible.

 

¡Más de eso!

Todos los implicados están de acuerdo, al igual que muchos de los aproximadamente diez mil espectadores que vivieron Requiem: quieren más de lo mismo. Más sinergias, más inspiración a través de obras que reúnen diferentes géneros artísticos. Más ojos chispeantes de los cantantes al cantar junto a los bailarines, más voz con la que es posible bailar de manera profunda y sentida. Más Gesamtkunstwerke en el que el sonido de la orquesta, la voz humana y la danza se fusionan, algo que también le gustaría al director Mikhail Agrest: “Espero que más coreógrafos tengan el coraje de abordar grandes obras musicales, junto con una coreografía inspirada, esta es una combinación invaluable para crear el producto teatral más conmovedor y artísticamente más enriquecedor que nosotros, como artistas, podemos ofrecer a nuestra audiencia en tiempos tan difíciles”.

 

El Ballet de Stuttgart goza de fama mundial desde hace sesenta años. Con más de 70 bailarines de más de 23 países e invitaciones para presentaciones de todo el mundo, la compañía es una parte importante de la escena del ballet internacional. Su amplio repertorio hace las delicias tanto de los amantes del ballet clásico como de los entusiastas de la danza contemporánea. Una nueva era comenzó en 1961 con el nombramiento del coreógrafo John Cranko como director de ballet. Cuando en 1969 el Ballet de Stuttgart hizo su primera visita a los EE.UU. bajo la dirección de John Cranko, los críticos estadounidenses acuñaron la frase “Milagro del Ballet de Stuttgart”, haciendo famosa a la compañía a nivel internacional. Todos los sucesores de Cranko siguieron su dirección y dieron nuevos impulsos creativos, manteniendo al Ballet de Stuttgart en la cima del mundo del ballet. Para la temporada 2018/19, la junta directiva de los Teatros Estatales de Stuttgart nombró por unanimidad al ex primer solista Tamas Detrich director artístico general del ballet. Se mantuvo fiel a la línea de sus predecesores y cultivó en particular la tradición de las nuevas creaciones y la ampliación del variado repertorio. Hasta el día de hoy, el Ballet de Stuttgart, con sus visitas a lugares de todo el mundo, sigue siendo considerado un codiciado embajador cultural. A través de muchos años de duro trabajo en comunicación, bailarines destacados y nuevas producciones, el grupo ha despertado en la ciudad de Stuttgart y en la región un entusiasmo sin igual por la danza.

 

El figure humaine kammerchor es un joven coro de cámara profesional dedicado a cultivar y apoyar la canción y el repertorio coral alemán-francés del siglo XIX al XXI. Fundado en 2016, el conjunto ofrece música vocal del más alto nivel bajo la dirección de Denis Rouger, encantando a su público a través de un sonido coral especial, cálido y homogéneo. Mientras tanto, el coro se ha convertido en un elemento habitual de la vida concertística de Stuttgart y es un invitado habitual en renombrados ciclos de conciertos y festivales nacionales y extranjeros, como el Ludwigsburger Schlossfestspiele, el Festival Europeo de Música Eclesiástica Schwäbisch Hall y el festival Les Rencontres musicales de Vézelay (Francia). El conjunto mantiene un estrecho vínculo con la Orquesta Filarmónica de Stuttgart, así como con los compositores contemporáneos Philippe Mazé y Axel Ruoff. Además, en 2023 figure humaine fue contratado por el Ballet Estatal de Stuttgart. En colaboración con la editorial musical Carus-Verlag, en 2018 y 2021 ya se han publicado dos CD muy elogiados por la prensa internacional: Kennst Du das Land y… wo die Zitronen blühn. El tercer CD saldrá en la primavera de 2024.


figure humaine Kammerchor © NB-Fotografie

Kammertänzer TAMAS DETRICH es director artístico general del ballet desde 2018, MIKHAIL AGREST director musical desde 2020, MARTI FERNANDEZ PAIXA es miembro del Ballet de Stuttgart desde 2014 y primer solista desde 2021. FRANZISKA KLEIN está realizando prácticas con la Radio Bávara y también es periodista y cantante independiente, entre otros en figure humaine kammerchor, en el que SIMON MEDER, director de coro y organista independiente y estudiante de canto en la Universidad de Música de Karlsruhe, también canta.

 

Isabelle Métrope es cantante, directora de coro y editora en jefe de la Revista Coral Internacional. En la universidad estudió lenguas modernas aplicadas, gestión musical, así como musicología, dirección coral y pedagogía vocal. Canta como solista y en varios coros profesionales. https://isabellemetrope.com  / choralmagazine@ifcm.net


Traducido por Vania Romero, Venezuela

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